HABLANDO de TREN DE NOCHE A LISBOA

Tren de noche a Lisboa es una película que se estrenó en el año 2013 

pero que yo descubrí por casualidad en una noche del verano de 2016. 

Esta historia basada en un best seller alemán, comienza con un inesperado e intrigante suceso: un profesor en cuya vida nunca ocurre nada destacable, una mañana camino del trabajo, sin comerlo ni beberlo, se encuentra salvando la vida de una chica que viste un llamativo abrigo rojo, que está a punto de suicidarse y que lleva consigo un libro que al profesor Raimund le va a cambiar la existencia. A partir de ahí, éste comienza una investigación improvisada entorno al suceso y al libro, y ello le conduce a unos inesperados pasajes que le invitan a montarse, sin equipaje y sin tiempo para pensarlo, en un tren nocturno que desde Suiza le hace y nos hace viajar a Lisboa.

Allí conoceremos a Amadeu de Prado, a George, a Estefânia y a otros personajes cuyas historias entrecruzadas nos narran las pasiones y vivencias de unos jóvenes militantes de La Resistencia contra la dictadura salazarista que Portugal sufrió desde 1926 hasta 1974 y que derivó en la liberadora Revolución de los Claveles. Y todo ello sucede a través de los flashbacks  narrados al profesor Raimund que queda asombrado y fascinado por la intensidad de las vidas de aquellos jóvenes valientes. 

Si alguien me preguntara por qué recomiendo ver Tren de noche a Lisboa, diría que porque es una historia que no sólo te hace reflexionar sobre lo que estás viendo sino también sobre lo que TÚ ESTÁS VIVIENDO O NO, es decir, que te hace pensar sobre tu propia existencia.

A pesar de que en algunos momentos puede resultar un poco lenta y enrevesada por la manera en la que está realizado el montaje a base de continuas vueltas atrás, insisto en que recomiendo ver esta película y ESCUCHARLA porque está llena de pensamientos que nos pueden ayudar de cara a nosotros mismos y porque ella, en sí misma, es una buena reflexión sobre la necesitad de VIVIR.
Este que os dejo a continuación, es uno de esos pensamientos filosóficos mencionados que pueden escucharse a lo largo de la historia: <<Si es verdad que tan solo vivimos una pequeña parte de la vida que hay dentro de nosotros, ¿qué pasa con el resto? Vivimos aquí y ahora. Todo lo que ya ha ocurrido en otros lugares pertenece al pasado, prácticamente está olvidado. ¿Qué se podría y qué se debería hacer con todo el tiempo que tenemos por delante abierto y sin forma, ligero como una pluma en su libertad y pesado como el plomo en su incertidumbre? Hay un deseo onírico y nostálgico de volver a ese punto de la vida y tomar un rumbo totalmente diferente del que hemos recorrido y nos ha convertido en quienes somos>>.

tráiler de Tren de noche a Lisboa

MÁS ALLÁ DEL ODIO

Más allá del odio es una película estadounidense escrita y dirigida por un tal Mike Binder cuya trama gira en torno al vuelco radical que sufre la vida de una mujer cuando su marido desaparece repentinamente y la relación con sus cuatro hijas empeora cada día por culpa de la amargura que padece desde el supuesto abandono. A pesar de que a priori con estos datos podría dar la impresión de que se trata de una historia muy dramática, en ella hay lugar para los enredos cómicos, el amor, los nuevos comienzos, la reflexión y una gran sorpresa; y aunque admito no es un peliculón de los que te dejan sin aliento, creo que ve con facilidad y que merece la pena echarle un vistazo de cara a cómo muestra asuntos espinosos de las relaciones humanas; yo lo he hecho en varias ocasiones y siempre me han gustado estas palabras de la personaje más joven de la historia. Dicen así:

La gente no sabe amar; muerde en vez de besar y abofetea en vez de acariciar. Puede que sea porque se da cuenta de lo fácil que es que el amor salga mal; de repente se vuelve imposible, impracticable, un ejercicio de inutilidad, así que lo evita y busca consuelo en la angustia, el miedo o la agresividad que siempre están ahí y son accesibles. Y puede que esto ocurra porque no se disponen de suficientes conocimientos.

La ira y el resentimiento pueden enturbiar tu cerebro, eso lo sé ahora. No necesitan mucho para mostrarse salvo la vida que consumen y extinguen. No obstante la ira es algo muy real, incluso cuando sólo es indignación puede cambiarte, transformarte, moldearte y darte la forma de algo que no eres. Por eso el único lado positivo del odio es la persona en la que te conviertes. Con suerte puedes despertar un día y darte cuenta de que no tienes miedo en tu viaje y que sabes que la verdad es como mucho una historia parcialmente relatada, porque la ira, como todo en la vida, viene a rachas y cuando la dominas su estela deja una nueva oportunidad de aceptarte como eres y la promesa de tranquilidad.

HABLEMOS SOBRE UNA DECLARACIÓN DE GUERRA

En estos días de principios del verano en el hemisferio norte, aparte de comenzar muchos chorra-programas televisivos llenos de luz, playa, veraneantes y música hortera de temporada, de vez en cuando, en algún canal tipo La 2, puedes encontrarte por la noche con películas de esas

a las que yo catalogo como “arriesgadas” si tenemos en cuenta lo que emiten en

el resto de canales y los estrenos en las salas de cine convencionales.

Esa película “arriesgada” que he tenido la suerte de ver recientemente y que
me apetece recomendar por aquí se llama Declaración de Guerra.

Declaración de Guerra es un film francés que se estrenó en 2011 y que está dirigido por la directora, guionista y actriz Valérie Donzelli. En él se cuenta la historia de una experiencia personal que le ocurrió a la propia directora de la película y a su ex-pareja, o sea, el que es también co-guionista y actor en la cinta Jérémie Elkaïm.

Esa historia personal es la evolución de su romance a través de un hecho dramático que comenzó cuando el hijo de ambos Gabriel (Adám en la película) fue diagnosticado de un tumor maligno en el cerebro teniendo menos de dos años, y todo lo que ello conllevó: múltiples pruebas clínicas, una operación quirúrgica peligrosa, varios años de quimioterapia y radioterapia, incertidumbres, miedo, rutinas médicas, cansancio... 

Con una narrativa tanto visual como literaria que evoca de manera explícita al movimiento cinematográfico francés de la Nouvelle Vague, en Declaración de Guerra observamos a lo largo de 100 minutos a unos Romeo y Julieta del siglo XXI que luchan, no sólo contra el gran problema
que tiene su pequeño hijo sino también contra el propio desgaste que va sufriendo la
estupenda y envidiable relación de pareja que mantenían.

¿Qué pasaría si en la vida de los Romeo y Julietta de Shakespeare apareciese  un problema de esa magnitud? ¿Lo soportarían? ¿Decidirían declarar la guerra a la muerte? ¿Seguirían unidos a través del tiempo y la adversidad? ¿Sería su relación idílica más fuerte que la enfermedad, el tedio, la impotencia, el miedo...? ¿Sacarían adelante a un bebé con esa desgracia
que se nos muestra y a sí mismos y a su amor?

Sin sentimentalismos y de una manera muy realista y directa, tocada en ocasiones por chispas de humor e incluso de ciertas frivolidades, Valérie Donzelli y su Declaración de Guerra nos desvelan estas cuestiones de una forma que, personalmente, ME HA FASCINADO, porque creo que ha hecho sencillo algo tan difícil como contar a buen ritmo una historia dura y que se prestaría fácilmente a
convertirse en un dramón sin caer en la ñoñería autocompasiva.

El guión me parece magnífico al igual que otros aspectos del film como las interpretaciones, la música o el montaje. Hacía mucho tiempo que una película no me gustaba TANTO;
verdaderamente agradezco encontrarme con trabajos como este.

Leyendo bastante acerca de él he visto que fue muy premiado; NO ME EXTRAÑA  :-) 

DALÍ EN EL SILENCIO DE LOS CORDEROS

¿Sabías que el cartel de la película El silencio de los corderos está 

relacionado con el artista Salvador Dalí?

En él, y sobre los labios de la actriz Jodie Foster, puede verse

una extraña mariposa con una curiosidad no por todos detectada.

 Esa mariposa tiene sobre sí una calavera formada por el cuerpo de siete mujeres desnudas, una obra de Dalí llamada In voluptas mors, un nombre proveniente del latín y que podría traducirse más o menos como Voluptuosidad en la muerte.

Este famoso trabajo reflejado en el cartel de El silencio de los corderos fue realizado en 1951 con la ayuda del fotógrafo Philippe Halsman siguiendo el peculiar y genial esquema diseñado por Dalí.

¿Sabías que...? Star Trek

¿Sabías que el cartel de la película Star Trek -Into the darkness está inspirado en el cuadro
El caminante ante el mar de niebla del pintor alemán romántico Caspar David Friedrich?

Como de costumbre a lo largo de toda su obra, en este cuadro Friedrich también se mueve entre la realidad y el símbolo. El protagonista aparece de espaldas, como la mayoría de los personajes del pintor. Esta atípica forma de representar las figuras ha llevado a plantear diferentes interpretaciones. Algunos la entienden como un intento de expresar alienación, un medio de reflejar la imposibilidad de reconciliar al hombre moderno con la naturaleza. Otros, sin embargo, consideran que estas figuras de espaldas ocupan una "posición trascendental", en la línea de los escritores y filósofos románticos alemanes de la época, quienes documentaban su experiencia ante el paisaje de un modo metafísico: cuando contemplaban el mar u otro escenario natural se sentían inmateriales; refiriéndose al instante en el que el mundo externo y el interno se funden, tal y como a muchos nos ocurre cuando contemplamos un gran paisaje. También hay interpretaciones más complejas y alegóricas de carácter religioso en las que se plantea a El caminante sobre un mar de niebla como el culmen de un proceso: la Fe y la fuerza de  voluntad (rocas) que, superando los desafíos y errores terrenales (niebla), nos elevan y nos acercan a Dios.

¿Con cuál os quedáis vosotros? A mí me gustan las tres  ;-) 

HOPPER Y EL CINE

Como introducción a esta entrada, empezaré confesando que Edward Hopper no es ni por asomo uno de mis pintores favoritos. La razón se debe a que las imágenes de sus cuadros, aunque gozan de un vacío generalizado de lo más elocuente, a mí, una gran amante de las obras expresivas y temperamentales, no me transmiten nada; aún así he de admitir que, como buena aficionada al cine y a la fotografía, las obras de este señor me resultan de lo más curiosas, tanto por la calidad de sus composiciones en las que consigue encuadres, perspectivas y puntos de fuga dispuestos al milímetro (siempre he dicho que más que un pintor parece un fotógrafo), como por la enorme influencia que luego estas características de su trabajo han ejercido y continúan ejerciendo sobre el cine moderno. Aquí podemos ver algunos ejemplos:

 Pintura de Edward Hopper - Los noctámbulos

Fotograma de la película de Wim Wenders - El final de la violencia

Y es que sin duda Edward Hopper (1882-1967) es uno de los pintores que más ha influido al séptimo arte, hasta el punto de que muchos de los encuadres, escenas y planos realizados por numerosos directores de cine y fotografía, han bebido de su arte y han recreado descaradamente un buen número de los escenarios que protagonizan sus cuadros.

Ellos han homenajeado o copiado a este autor tomando, desde sus imágenes de lugares despoblados o mujeres solitarias, hasta sus escenas de bares nocturnos o faros en la costa, pasando por surtidores de gasolineras en carreteras no frecuentadas, puentes brumosos o casas en medio de la nada como la siguiente que vamos a ver. 

cuadro de Hopper: La casa del ferrocarril

Ella, esta casa, fue recreada para uno de los decorados de la película Gigante, y además fue en la que se inspiró el director de cine Alfred Hitchcock para construir el Motel Bates, o lo que es lo mismo, el sitio donde ocurrían los asesinatos durante la extraordinaria y genial película Psicosis.

Póster de la película Gigante (1956)

Psicosis (1960)

Un gran porcentaje de las imágenes mostradas en las obras de Hopper son prácticamente encuadres perfectos o pensadas composiciones que bien podrían equivaler a planos cinematográficos; y es que la influencia fue mutua: así como los profesionales del cine quedaron fascinados por múltiples escenas que el pintor plasmó en sus trabajos, Hopper se apasionó rápidamente por todo lo concerniente al universo fílmico (era un asiduo y febril amante de las salas cinematográficas) y demostró en sus pinturas el fuerte magnetismo que el mundo del celuloide ejercía sobre él.

 óleo de Edward Hopper titulado Cine en Nueva York

Pero mi sorpresa en lo que se refiere a este pintor llegò de la mano de la siguiente imagen que comparto. En ella se nos muestra una comparativa de algunos de sus cuadros con fotogramas de una de las películas que más me gustan de Alfred Hitchcock: La ventana indiscreta. Observándola podemos comprobar la más que evidente similitud entre las escenas creadas por Hopper para sus pinturas, y las recreadas por Hitchcock para su film.

Fuentes para la realización de este artículo:

Hopper, el cine y la vida moderna. Exposición y simposio - Museo Thyssen-Bornemisza. 2012.  

https://www.museothyssen.org/exposiciones/hopper

¿Sabías que...? E.T el extraterrestre

¿Sabías que el famoso cartel de la película de Steven Spielberg E.T el extraterrestre...

está inspirado en este fresco pintado por Miguel Ángel en la Capilla Sixtina
llamado La Creación de Adán?

Palabras de Néstor Almendros

Néstor Amendros (Barcelona 1930- N. York 1992) 

Considerado el mejor director de fotografía de la historia del cine, opinaba:

Un director mediocre, generalmente, quiere demostrar que es genial 

no preguntando nada y dando órdenes constantemente sin escuchar a sus colaboradores. 

Por fortuna - BLUE VALENTINE

Para mi fortuna, volvió a ocurrir. Tras largo tiempo sin ver una peli que me cautivase, apareció de la nada Blue Valentine, un historia interpretada por una actriz que cada día me gusta más: Michelle Williams, y por un actor que ya hace mucho que  me convenció: Ryan Gosling;

del director de la película Derek Cianfrance aún no sé gran cosa.

Me topé con el trailer por pura casualidad y en seguida me llamó la atención y me generó fuertes expectativas; primero porque estaba claro que era cine independiente (o sea: el que más me suele gustar) y segundo porque prometía una historia cruda e intensa de esas que tanto me hipnotizan. Además, como ya he dicho, los protagonistas están encarnados por actores que me parecen de lo mejor que hay actualmente en el cine.

En Blue Valentine podemos ver el doble relato de una relación amorosa que surge entre dos jóvenes cuyas vidas se cruzan por casualidad, y que cambian enormemente por ese motivo tanto para lo bueno como para lo malo. Por una parte la narración nos enseña cómo su romance se está viniendo abajo sin perspectivas de poder ser salvado, a pesar de que la intensidad de lo que sintieron les hizo creer que iban a estar juntos para toda la vida; y por otra nos cuenta cómo se forjó la interesante unión de la pareja. Esta destrucción y creación están mostradas de una forma directa, sin ñoñerías pastelonas, sin posicionar al espectador para que desee un final concreto para los protagonistas y recordándonos que, por muy fuerte que sea el amor, tal como dice uno de los personajes -No hay garantías-.

Una de las cosas por las que más me ha gustado es porque me parece una historia urbana actual con la que cualquiera puede verse reflejado. Blue Valentine no tiene nada que ver con las películas románticas, en plan hollywoodiense, en las que todo es muy bonito o un dramón de tres pares con el que te da mucha pena que los enamorados no acaben juntos. Esta es una crónica de amor y desamor realista y honesta, y ya digo que en ningún momento posiciona a quien la ve para que imagine un final; como mucho lo que consigue es que, cuando ya está claro que la relación se ha terminado por completo, pienses <<Pues, sí, es mejor que cada uno se vaya por su lado>>.

      

A pesar de lo mucho que me gustó, es un filme que no le recomendaría a menores de 25 años (porque no creo que aún tengan la suficiente experiencia vital como para entenderlo del todo), ni a mayores de 45 (ya que les resultará demasiado juvenil); tampoco a personas que busquen guiones chispeantes y encantadores con los que acabar de buen rollo cuando termina la película. Por supuesto, y claro está, a todos los demás, les invito sinceramente a verla.

abril de 2013

DE VUELTA A BROKEBACK MOUNTAIN -sólo para fans

Empiezo esta entrada con un suspiro <<Aaains...>> porque esto es lo que me sale siempre que escucho el nombre de la historia de la que me dispongo a hablar. 

Creo que lo mejor que le puede pasar a uno con una película como esta es que se ponga a verla sin saber ABSOLUTAMENTE NADA sobre ella, así la sorpresa es más fuerte y rotunda cuando el meollo de la historia aparece sin que te lo esperes. Casi de este modo cayó ante mis ojos la primera

vez que la vi: a penas sabía nada de ella aunque que había sido muy comentada, y puede

que gracias a eso fue por lo que me impactó y me conmovió TANTO.

Creo que, de momento, se han hecho cuatro grandes películas de amor en la historia del cine: Memorias de África, el Paciente Inglés, Los puentes de Madison y esta: Brokeback Mountain.

Hay quien se me ha quejado de que es demasiado lenta y silenciosa pero yo ni me la

imagino a otro ritmo ni creo que necesite más palabras que las que tiene; sencillamente, si

le prestas toda tu atención y te dejas llevar, no necesitas nada más, entiendes que

todo es adecuado y perfecto tal y como está. 

De las cuatro películas que he nombrado, no sé con cuál he llorado más a pesar de haberlas visto por lo menos cinco veces cada una; todas me parecen preciosas y excelentes en cada uno de los aspectos artísticos de los que consta una peli, pero a pesar de que historias de amor grandes, medianas y pequeñas se han realizado muchas, creo que sin duda alguna Brokeback Mountain es, sino la más especial, sí de las más especiales por culpa de la complejidad tanto a nivel personal como social en la que se encuentran los personajes protagonistas; ¿¿¿dos cowboys de la América profunda, dos tíos MUY TÍOS enredados en una relación homosexual???

Mi frase favorita de la película es –Aquí no llevamos las riendas- refiriéndose a lo que está ocurriendo sentimentalmente entre sus protagonistas; y NO, es cierto que no las llevan y que
se mueven EN TERRENO VEDADO.

Hoy he vuelto a verla y de nuevo me he quedado con ese extraño y triste estado emocional que se me pone en el momento en el que Ennis del Mar entra en la habitación de su ya fallecido amante y encuentra la camisa con su sangre aún en la manga; creo que no se ha rodado ni se rodará jamás un momento-detalle tan triste, precioso, íntimo, conmovedor, romántico, elocuente e inesperado

que demuestre, con un simple recuerdo guardado en un armario durante años, lo que ha sido una persona para otra. 

Una vez el influyente director de cine Elia Kazan dijo que le gustaban los directores que

llegaban al estudio y creaban algo un poco peligroso, difícil e inusual; por desgracia para él,

cuando Brokeback Mountain se hizo, ya había muerto, pero estoy segura que

si Kazan la hubiera podido ver, Ang Lee y su trabajo le habrían encantado porque

reúnen esas características que él mencionaba.

Con esta película maravillosa me hubiese gustado hacer algo como lo que en su día hice con Amélie pero, desgraciadamente, en el dvd de esta no hay comentarios del director secuencia por secuencia aunque sí unos reportajes bastante extensos con entrevistas de los que he podido sacar

la información que a continuación adjunto. Espero que a quien le guste esta cautivadora historia de amor tanto como a mí la disfrute. 

La presentación del trailer de la película dice así:
Hay sitios a los que no podemos volver. Hay mentiras que debemos contar.
Hay verdades que no podemos negar. Era una amistad que se convirtió en secreto.

El guión de Brokeback Mountain está basado en un relato corto de la escritora Annie Proulx publicado en 1997 en la revista New Yorker. La historia constaba de 30 páginas y los también escritores Diana Ossana y Larry McMurtry utilizaron todo lo que se contaba en ellas para el guión pero además inventaron escenas extras para alargarlo y dar una mayor visión más detallada

del mundo doméstico de los protagonistas.

A pesar de que la historia tuvo una gran acogida en el mundillo cinematográfico, no encontraron a nadie que hiciera la película. Los productores del film opinaban al respecto –Nadie les hacía caso. No era una película que se pudiera producir en aquella época.

   -El guión de Larry y Diana era muy conocido en Hollywood. Era famoso como uno de los grandes guiones jamás escritos no producidos. Creo que daba miedo. No fue fácil hacer la película... pero esperábamos que si la hacíamos, a todos les impactarían y les afectarían los personajes y su historia.

El director Ang Lee dijo sobre el guión –Cuando lo leí me quedé sin habla, me inspiró totalmente
y me entraron muchas ganas de hacer la película porque era algo épico.

Lo curioso es que antes de ponerse a realizar la película Ang Lee confesó que estaba físicamente agotado por la dureza y el enorme esfuerzo que le habían supuesto los rodajes de las películas que había hecho durante los últimos diez o quince años (Tigre y Dragón, entre ellas), y de hecho hasta estaba pensando en retirarse hasta que un día le dio por preguntar qué había pasado con el guión de Brokeback Mountain y le dijeron que todavía no se había realizado, a partir de ese momento y casi sin darse cuenta ya se había metido de lleno en la filmación de la peli, una historia que tanto productores y actores como guionistas piensan que sólo la podía dirigir él.

Los productores opinaban –Si hay algo muy claro de Ang es que no le gusta soltar sermones, ni ser político, ni decirte cuál es el análisis correcto de nada. Sólo le interesa el sentimiento.

   -Entiende de una forma tan completa las emociones de los personajes, que las transmite a través de los medios físicos. Es capaz de comunicar exactamente lo que busca usando pocas palabras y muchos sentimientos, de alguna manera muestra con emociones lo que quiere.

El director contó al respecto –Me gusta hacer dramas que tiene que ver con el conflicto. Pones distintos ingredientes que están en conflicto y a través de ellos examinas la humanidad. Para mí, el meollo dramático es descubrir que Brokeback Mountain, por así decirlo, es escurridiza y romántica. Es algo que te golpea y a lo que siempre deseas volver. Es una historia de amor que tiene que ver con la cultura, con el paisaje, con la naturaleza... Todo lo que ellos sienten es privado. Deben salvaguardar sus sentimientos. Es algo precioso, valioso... Es una cosa muy especial que no pueden expresar, y eso es algo muy interesante para mí. 

Tras siete años de lucha y falsos comienzos el proyecto empezó por fin a hacerse realidad con todo un equipo dispuesto a sacarlo adelante. Este tuvo que superar obstáculos que fueron todo un reto dado que, filmada en Alberta (Canadá) muy cerca de las Montañas Rocosas, contaron con fuertes cambios climatológicos y tuvieron que mover el equipo de rodaje por un terreno de lo más abrupto lleno de rocas y desniveles, además de las cientos de ovejas, varios perros, un oso y caballos que intervenían durante las tomas para dar vida y veracidad a la historia.

Justo con ese fin, el de dar credibilidad a la narración, el director Ang Lee envió durante un mes a los actores principales a un rancho para que se convirtieran en verdaderos cowboys, quería conseguir que supieran hacer de todo sintiéndose cómodos y allí aprendieron desde a trabajar con perros y ovejas y cortar madera hasta montar a caballo, tirar el lazo o montar tiendas de campaña.

El equipo cuenta que para Heath Ledger fue algo muy fácil porque llevaba haciendo cosas de ese tipo desde pequeño dado que se había criado en una granja en Australia.

Además, Ang Lee quería que todos los actores y actrices se impregnaran de la cultura de la zona para que eso les ayudara a meterse en los personajes; el reparto recorrió los pueblos de las localizaciones con una furgoneta alquilada para estudiar el ambiente, los gestos, la manera de vestir y el modo de vida de la gente del lugar, también consiguió para ellos una profesora de dicción que les enseñó el acento típico al hablar de las personas que viven en aquellas latitudes.

La fotografía es destacable durante toda la película y corrió a cargo del excelente Rodrigo Prieto que hablaba así sobre Ang Lee con respecto a las directrices que se siguieron a la hora de filmar -A Ang le encantan los detalles y las diferencias ligeras entre colores. Tiene un buen sentido de la composición y es muy aficionado a que los elementos que están en lugar un específico para que guíen al ojo del espectador.

El actor Jake Gyllenhall opinaba también sobre el tema -Es tal maestro con la cámara que la belleza de las tomas es casi tan importante como la interacción entre los personajes. 

Y es que una historia tan bonita no se merecía menos que una fotografía espectacular, ¿no?

FIN

BONITA REFLEXIÓN de Pier Paolo Pasolini

El cine expresa la realidad mediante la realidad. Es una especie de ideología personal, 

de vitalismo, de amor al vivir dentro de las cosas, dentro de la vida, dentro de la realidad. 

Expresándome con el cine no salgo nunca de la realidad, estoy siempre entre las cosas,

entre las personas, entre lo que más me interesa en la vida: la vida misma.

(Pier Paolo Pasolini -poeta, ensayista, cineasta) 

expectativas colmadas - HOWL

Partiendo de que yo no sé prácticamente nada sobre el poeta estadounidense Allen Ginsberg, esta peli basada en sus inicios literarios, me despertó al instante la curiosidad desde que me enteré de su estreno allá por marzo. Partiendo también de que casi lo único que yo sabía era que el papel protagonista lo interpretaba mi James Franco, esperaba que el argumento me resultase interesante. Y a pesar de que yo ni siquiera tenía constancia de que existe un libro de poemas llamado Howl = Aullido que cambió la concepción de la poesía de todas las épocas, me daba la sensación de que esta película podía gustarme, Y ASÍ FUE; desde los títulos de presentación ya me estaba convenciendo esta historia que llevaba meses deseando ver y que POR FIN he conseguido.

En ella hay dos historias principales: una, la del juicio que se hizo en 1957 contra el editor Lawrence Ferlinghetti por haber publicado Howl, un libro de poemas que se consideró obsceno, corrosivo, vulgar, sensacionalista y carente de valor literario; UN BOMBAZO en definitiva demasiado transgresor para la época (1955).

La otra historia es la de la propia gestación y creación de esta obra que Allen Ginsberg escribió basándose en su propia juventud, en su homosexualidad por tanto tiempo escondida y hasta renegada, en sus amores imposibles y en sus amistades con otros escritores que también resultarían cruciales para la creación del movimiento Beat.

Por gustarme me gustó todo, lo bien caracterizados que están los personajes, lo estupendamente que actúa James Franco UNA VEZ MÁS, las animaciones que acompañan a la lectura de los poemas, la fotografía muy bien utilizada tanto en las partes en blanco y negro como en las escenas a color, lo dinámica que resulta la película hasta el punto de parecerme demasiado corta, la cantidad de opiniones interesantes que vierten tanto los participantes en el juicio como el personaje de Allen Ginsberg… La verdad es que el guión y la dirección están muy bien elaborados.

Lo dicho, las expectativas con esta peli se han colmado como hacía mucho tiempo que no lo hacía ninguna película; de hecho lo hicieron tanto que la vi dos veces en el mismo día. Hacía siglos que no me pasaba esto y ME ENCANTÓ.

publicado en agosto de 2012