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PINTAR CON LUZ

Unos artistas pintan con óleo, y otros como Stephen Knapp, lo hacen con
luz, dando preciosas y espectaculares obras como éstas:
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Some artists paint with oil, and other ones as Stephen Knapp, do it with
light, giving precious and spectacular works of Art like these:







👉 ¿Te gustaría contemplar obras de otros artistas realizadas con luz y sombras, y saber un poco más sobre el llamado Arte Inmaterial? Te invito a ello a través del enlace Qué es eso del Arte Inmaterial

LOS POR QUÉS DE LA GIOCONDA -da Vinci

A pesar de haber completado sólo unas pocas pinturas, Leonardo da VincI fue el artista más influyente de su época y sus obras fueron copiadas e imitadas infinidad de veces. Sus contemporáneos no sólo se sintieron atraídos por las características estilísticas de sus trabajos sino también porque da Vinci fue el primer artista que a la vez era un pensador. Hasta entonces, los artistas habían sido considerados como simples artesanos dotados solamente de habilidad manual. Leonardo, en cambio, cultivó el aspecto intelectual de la pintura ya que no le interesaba únicamente por su perfección técnica, sino también por la capacidad de expresar a través de ella las emociones más profundas y las más sutiles del espíritu humano. Ejemplos de este "contraste" podrían ser dos obras que, traspasando lo artístico, se han convertido en auténticos y celebérrimos iconos pop: La Gioconda y El hombre de Vitruvio.
Amarillenta, cuarteada, oscurecida por una pátina de suciedad y una espesa capa de barniz que nadie osa eliminar, La Gioconda (o Monna Lisa), probablemente la pintura más famosa del mundo occidental, está considerada la cumbre del arte retratístico.

77x53 cms

La Gioconda marcó un hito en la Historia del Arte y abrió el camino a una forma de crear retratos más espontánea y expresiva, ya que en el curso del siglo XV, casi todos los retratos se pintaban de perfil y sufrían la influencia, desde el punto de vista estilístico, de las cabezas de perfil reproducidas en las monedas romanas, como podemos ver en el siguiente cuadro elaborado alrededor de 1465 por el pintor renacentista Alessio Baldovinetti.


En un primer momento, sólo las personas que gozaban de un situación económica acomodada y las nacidas en la nobleza podían permitirse el lujo de encargar un retrato, por lo que se usaba más como un instrumento para evidenciar el rango social del personaje que su personalidad. Durante el siglo XV, sin embargo, el retrato empezó a descender en la escala social y fue adoptado por los mercaderes ricos. Estos nuevo clientes mostraron su preferencia por poses más informales, que daban un idea mejor de la personalidad representada.
La innovación introducida por Leonardo consistió en retratar rostros con un fuerte impacto expresivo, lo que permitió pasar del formalismo de los retratos anteriores al Renacimiento, a los cuadros más informales y realistas.
El significado de la célebre sonrisa de su Gioconda ha sido objeto de numerosos estudios. Su ligera asimetría es lo que la hace tan enigmática, junto con unas pinceladas tan sutiles, que es casi imperceptible el paso de los labios a la piel; efecto que da Vinci conseguía aplicando capas muy finas de pintura y la técnica del sfumato que él mismo creó para fundir las luces y las sombras.


Los ojos oscuros de Monna Lisa, engarzados en los delicados contornos de los párpados, atraen la mirada del observador. La falta de cejas podría reflejar la moda florentina de la época de depilarlas, pero es probable que hayan sido eliminadas inadvertidamente durante alguna restauración.


La Gioconda posa con manos elegantes y relajadas una encima de la otra, dando a la figura una sensación de sosiego. Asimismo, la posición de los brazos y las manos, reducible a un triángulo, contribuye al equilibrio de la composición.


Los nudos bordados que adornan el escote del vestido de Monna Lisa podrían ser una especie de firma de Leonardo, ya que su apellido Vinci tenía la misma raíz etimológica que el verbo vincolare que significa unir con ataduras, anudar. Estos motivos con nudos y entramados se repiten en toda la obra del artista.


Existe un fuerte contraste entre la elegante mujer de ciudad y el paisaje agreste a sus espaldas.
Leonardo rehusó siempre pintar los plácidos y tranquilizadores fondos paisajísticos tan utilizados por sus contemporáneos, y presentó la naturaleza en sus aspectos más misteriosos y dramáticos, con un cierto sentido universal.


Alrededor de Monna Lisa, su figura y su creación giran gran número de anécdotas, pero quizás mi favorita es la que asegura que, por alguna misteriosa razón, Leonardo no entregó el cuadro a quien se lo había encargado y, decidiendo llevarlo consigo a Francia, lo conservó hasta su muerte dejándoselo en herencia junto a otros cuadros al que había sido su asistente de toda la vida.
Además, otra anécdota relevante es que, durante los años 2011-12 el Museo del Prado realizó una excelente labor de investigación y restauración que dio a conocer al mundo una interesante y preciosa copia de La Gioconda realizada en el taller de da Vinci por sus ayudantes.


vídeo explicativo de La Gioconda del Prado

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Fuentes para la elaboración de este artículo:
transcrito desde el monográfico Leonardo
(Colección Grandes Maestros de la Pintura. Ediciones Altaya, S.A. 2001)

CUANDO EL ARTE Y LA CIENCIA VAN DE LA MANO

¿Sabías que al Renacimiento le debemos buena parte de los conocimientos sobre el cuerpo humano que tenemos? Gracias a artistas y hombres de ciencia como Tiziano, Miguel Ángel o Leonardo da Vinci, la exploración y obtención de imágenes de nuestra anatomía se llevaron a cabo para beneficio de la ciencia, el arte y la humanidad en general.
Leonardo da Vinci dedicó gran parte de su trabajo a los estudios anatómicos, ya que, por una parte, necesitaba aplicar estos conocimientos a su pintura y, por otra, se sentía intrigado y maravillado por los complejos mecanismos que mantienen vivo y en movimiento el cuerpo humano. Uno de sus proyectos inconclusos era la elaboración de un tratado de anatomía que abarcara todo el saber de la época, y contara con sus contribuciones originales. Abajo, podemos ver uno de sus diseños para el proyectado tratado. Es la primera representación del corazón basada en la observación directa.

A continuación, también de la mano de da Vinci, dibujos de huesos, músculos y articulaciones expresan la preocupación del artista por la fisiología del movimiento.


Las dos obras forman parte de los cuadernos de anatomía de Leonardo conservados en el Museo de la Ciencia y la Técnica, de Milán.
Como coetáneo de da Vinci, Miguel Ángel también mostró un gran interés por la anatomía humana. El artista diseccionó cadáveres para estudiar el cuerpo y su estructura, y llevó a sus obras, tanto en piedra, como en mármol y arcilla, los conocimientos obtenidos. Su experiencia como escultor le dotó de un entendimiento absoluto del cuerpo humano, que también trasladó a sus obras pictóricas tales como La creación de Adán o La separación de la luz y las tinieblas, en la Capilla Sixtina.


LA FORMA DE LO ABSTRACTO

Hay demasiada gente que afirma que no le gusta el arte abstracto porque no lo entiende, porque no ve nada en él, de hecho ni siquiera consideran que sea auténtica pintura y la menosprecian con gran desdén. Supongo que esto es algo razonable, pero yo siempre les explico que en este estilo NO HAY NADA QUE ENTENDER, sencillamente hay que dejarse llevar por la imagen y, sin prejuicios, permitir que nos sugiera cosas.
 

 
El arte abstracto es una expresión que nace de los instintos, de las emociones, del subconsciente arrebatado o adormecido, de las fuerzas del ser humano, de las sensaciones, de lo que se experimenta mientras se vive... y NADA DE ESO TIENE FORMA, de ahí que su representación HAYA DE SER ABSTRACTA.
¿De qué está hecho el odio? ¿Se puede medir con un metro la alegría? ¿Qué textura tiene el cariño? ¿Cuál es el aspecto de un dolor de muelas? ¿Cuál es la forma de la tristeza o el dolor? 
El expresionismo abstracto surgió cuando los artistas llegaron a la conclusión de que representar la realidad tal cual existía ya no tenía sentido desde que las cámaras de fotos hacían ese trabajo, y comenzaron a preguntarse qué podían ellos ofrecer que no pudiera ofrecer la fotografía. La respuesta vino a ser -Lo que tenemos dentro de nosotros: el mundo de las sensaciones y las emociones sobre el que nadie ha pintado todavía.
 
 
 
La obra de arriba es una de las láminas que realicé pintando con tinta y forma parte de un trío al que llamé Un momento de estrés. Pongo "este momento" como ejemplo sencillo de lo que siempre han intentado los artistas que practican el expresionismo abstracto. Creo que es bastante fácil de comprender si relacionamos su título con lo que puede verse.


FUSILAMIENTOS: 3 miradas diferentes a un mismo tema

 ¿Sabías que en el año 1814 el pintor Francisco de Goya, basándose en un acontecimiento real que había acaecido durante el 3 de mayo de 1808 en Madrid, creó uno de los cuadros más influyentes de la Historia del Arte titulado Los fusilamientos del 3 de mayo?
Aquel dramático evento ocurrido durante la invasión napoleónica causó un impacto tan fuerte en la mente del artista que, doce años más tarde tuvo que trasladarlo a un cuadro para poder terminar de asimilar las escenas que él mismo había contemplado con horror e impotencia desde su residencia.

Paradójicamente fue un artista francés, Edouard Manet, quien más de medio siglo después, en 1867, representó otro hecho real teniendo como referencia el cuadro de Goya. Esta obra se llamó El fusilamiento de Maximiliano, y nos traslada a México, a su lucha por la independencia y al final del que fue conocido como Segundo Imperio.

 
La tercera mirada nos lleva a Picasso y al año 1951 en el que fue pintado este cuadro titulado Masacre en Corea. Picasso creó esta obra como denuncia por las matanzas civiles durante el avance del ejercito de los Estados Unidos en territorio de Corea del Norte. En este lienzo seis soldados se disponen a fusilar a un grupo de mujeres y niños. Los militares están representados como robots a los que les falta el corazón, medio vestidos con piezas de metal y casco, mientras que las víctimas inocentes, desnudas, aguardan con desespero el momento fatal.

 
👉 ¿Te apetece seguir viendo cuadros influyentes?
En el siguiente enlace te presento las obras del pintor Edward Hopper que más han inspirado al mundo del cine. No te las pierdas porque seguro que te van a sorprender 👉 Hoppers de película